Amezing short films

SIGNS
One of the 2009 Cannes Lions winners!


ON THE LINE

Deconstructing Tony

By Andrew Anthony.

If the Sopranos, which returns this week for its fourth series, is arguably the most accomplished drama in television history, there is no doubt at all that it's the most analysed. Never before has a programme been subject to such extensive interpretation. While the story concerns a New Jersey mafia boss and his middle-class suburban family, no self-respecting critic would ever say that's what it was about.

Ever since he first appeared on US television back in January 1999, Tony Soprano, the show's monumental anti-hero played by James Gandolfini, has been a gift to the metaphorically minded. He is the American Everyman, the embodiment of ruthless free-market capitalism, the defining figure of balding fat manhood in midlife crisis, and much else besides. It's no wonder Gandolfini stoops, carrying that weight of symbolism around on his shoulders.

That Tony also visits a shrink to discuss his problems, and that shrink in turn visits another shrink to discuss the problem of seeing Tony, makes him even more a target for intellectuals than he is for rival gangsters or the feds. Not only does he face imminent destruction but also endless deconstruction.

Now the heavy mob have turned out in force. North American academics, among them Lavery, have recently published no fewer than five books about The Sopranos. The authors include psychiatrists, sociologists, literary theorists, postmodernists, post-structuralists and the other usual suspects. It's only fair to warn you that these are determined individuals who will not waste two words when a chapter will do.

Among the daunting array of weaponry on display is some state-of-the-art jargon. Phrases like 'referencing the new narrative spaces' and 'circumscribed marginality' can knock the sense out of you, having already had the sense knocked out of themselves, and whole paragraphs brazenly make no concession to comprehension.
Hypersensitivity of this stripe has led some Italian-American pressure groups in the past to picket The Sopranos set. The American Italian Defence Association makes the point that television would never dream of depicting Jews as organised criminals. In fact, there is a Jewish gangster, Hesh Rabkin, who regularly appears in The Sopranos. Added to which, we must take into account Livia Soprano's comment that psychotherapy is 'nothin' but a racket for the Jews'.

Some people, however, are never satisfied. 'The one problem so central to understanding the American condition that is almost never confronted on The Sopranos is racism,' writes David R. Simon in his book Tony Soprano's America. Simon sees the series as a document in which all the evils of US society - except racism - are laid bare so that we might learn how to correct them. Tony's real character flaw, we gather, is that he's never read C Wright Mills.

Simon likes facts and figures but he doesn't appear to understand cause and effect. His methodology is to look for anything bad in the world, then relate it to American greed, then list random statistics, and then make some tenuous link to The Sopranos, although sometimes he doesn't bother with this last bit. 'On September 11, 2001,' he writes, 'America got a first-hand view of its real crime problem. It learned that what it sees every week on The Sopranos is really the tip of a very dangerous iceberg.'

The Sopranos.

Recién voy por la mitad de la 3era temporada de la serie The Sopranos. A veces resulta dificil comenzar a definir una serie tan grande, tan gloriosa y tan majestuosa como la de la familia Soprano.
Voy a citar unas palabras de Hernan Casciari, ya que sus criticas me gustan mucho y reflejan en pocas palabras lo que es esta serie...

Estamos habituados a cuadros inolvidables que observamos en diez minutos, a novelas magistrales que leemos en seis días, a películas mágicas que disfrutamos en dos horas. Pero no estábamos acostumbrados a una obra maestra que nos atravesara el cerebro, y el corazón, durante ocho años enteros
El New York Times tomó hace tiempo una posición arriesgada pero certera: “The Sopranos —publicó el periódico— es tal vez la mayor obra de la cultura popular estadounidense de los últimos 25 años".

No se habló de la mayor serie de televisión. Ni siquiera se habló de la más grande propuesta audiovisual contemporánea. En la frase ‘cultura popular’ quedaron englobadas todas las formas posibles del arte. Y yo creo que se trata de una crítica veraz: esta serie ha sido más necesaria que el mejor libro, más potente que la mejor escultura, más arriesgada que el mejor cine, más sutil que la mejor partitura que se haya podido componer en aquel país (y en casi todo el planeta) en el último cuarto de siglo.

Después de que la FOX la rechazara, The Sopranos se estrenó en 1999 por HBO y estuvo saliendo al aire hasta el 2007. Su creador David Chase entrego un programa de TV que tranquilamente podría haber sido emitido en cine.
Mucha gente se niega a ver esta serie, porque la consideran una "serie de mafiosos" solamente y esto sería un gran insulto. Los Sopranos reflejan la vida misma, la cotidianidad de aquellos que estamos acostumbrados a vivir en familia.

Eso sí... me gustaría aclarar una cosa... las dos primeras temporadas (sobretodo la primera) resulta dificil. Son muchos los personajes, muchos los dialogos con guiños que no entendemos. Pero como les decía al principio, voy por la mitad de la tercera temporada y se me esta convirtiendo en una adicción.

Es lejos, la mejor serie que ví. Muchos podrán hablar de Lost, de Dr. House, etc, etc... pero esta serie tiene "algo" que no tienen las demás. Esta serie esta a la altura del mejor cine que hayan visto.

Más allá de una trama intensa y excelentemente construida, uno de los mayores créditos se los lleva su elenco. Es difícil elegir entre tanto talento.
James Gandolfini, Edie Falco,Michael Imperioli son los mejores actores que haya visto nunca en una serie de TV.Ni hablar de la secundaria Drea de Matteo que me ha vuelto loco por completo.

Me atrevería a decir, que The Sopranos supera a Six feet under, aunque sea por poco.

En fin, los dejo... me voy a ver otro capítulo más de esta fabulosa serie y a escuchar el tema de la mejor apertura: "Woke Up This Morning"

INTRO:

INTRO

Sector 9

Sector 9 (District 9, Estados Unidos, Nueva Zelanda, Sudáfrica/ 2009). Dirección: Neill Blomkamp. Con Sharlto Copley, Jason Cope, Nathalie Boltt, Sylvaine Strike, John Summer y William Allen Young. Guión: Neill Blomkamp y Terri Tatchell.


Que es un producto de marketing con una campaña demasiado parecida a la de El proyecto Blair Witch, que el éxito se debe en buena parte al "Peter Jackson presenta" que le puso su productor, que es una sumatoria de referencias, citas, homenajes y robos a decenas de películas (Alien, Cloverfield, La invasión de los usurpadores de cuerpos, El amanecer de los muertos, Invasión, E.T., La mosca, El día que paralizaron la Tierra y un largo etcétera) que es racista en su descripción de los inmigrantes/gangsters nigerianos que se aprovechan de los extraterrestres, que es demasiado ambiciosa y superficial en su alegoría sobre el nazismo (Mengele) y sobre el apartheid (transcurre en Sudáfrica)... Como ante todo éxito sorprendente -la película costó "apenas" 30 millones de dólares y ya recaudó más de 110 sólo en los cines de Estados Unidos-, florecen los reparos, los cuestionamientos, las acusaciones y las envidias. Todo tan inevitable como injusto.Puedo conceder que estamos lejos de una obra maestra, de una película revolucionaria, puedo aceptar que la película se repite un poco durante su segunda mitad, puedo comprender a los que se quejan de algunas resoluciones a-lo-Transformers en el uso de los efectos visuales y las escenas de acción, pero hasta ahí llego. Esta opera prima del aún veinteañero Neill Blomkamp -un sudafricano nacido en 1979, afincado en Canadá y apadrinado por el creador de El señor de los anillos- es a) atrapante, b) ingeniosa, c) divertida, d) impiadosa y e) sólida. No sólo es un gran entretenimiento sino también la constatación de que con el cine de género (aquí ciencia ficción + thriller + acción + comedia) se puede decir mucho más que con una bajada de línea obvia y redundante respecto de la xenofobia y las condiciones en que viven hoy los refugiados.Los "negros", en este caso, son casi dos millones aliens llamados despectivamente "langostinos" por los medios, que llegaron a la Tierra hace veinte años en condiciones físicas penosas y fueron encerrados en villas miserias, verdaderos campos ¿de concentración? donde viven en condiciones infra-humanas (bueno, infra-galácticas). Sumidos en la pobreza, el hacinamiento, el hambre y la degradación física y moral, en medio de un basural y de la creciente polución, se ven forzados a robar, a traficar armas y hasta a matar para conseguir, entre otras cosas, su plato favorito: comida para gatos.El film está narrado en muchos pasajes como si se tratara de un documental televisivo, aunque luego adopta el punto de vista de Wikus Van De Merwe (Sharlto Copley), un funcionario de segunda línea, un burócrata al que le encargan un operativo de relocalización. Como a todo buen antihéroe, las cosas le salen decididamente mal y se convertirá luego en el enemigo número uno. No adelantaré más de la trama, pero la cosa funciona bastante bien en todos los términos (desde los excesos gore que remiten al primer Peter Jackson hasta el humor a-lo-Muertos de risa/Shaun of the Dead). Sector 9 es una demostración cabal de que con talento, creatividad, acceso a las nuevas tecnologías (hoy cada vez más al alcance de todos) y, claro, un poco de suerte (no cualquiera tiene a Peter Jackson como respaldo) se puede concretar el gran sueño de todo director: lograr que todo el mundo hable de una opera prima. Blomkamp lo hizo.

Fuente: otros cines.

Trailer Subtitulado:

"Mas respeto que soy tu madre" al cine por Campanella

La actriz española Carmen Maura protagonizará "Más respeto que soy tu madre", la próxima película que Juan José Campanella ('El hijo de la novia') rodará en la Argentina a finales de 2009.

Carmen Maura no para, y si ahora esta rodando en Argentina la próxima película de Francis Ford Coppola, Tetro, otro proyecto la espera, ya que la actriz española se pondrá a las órdenes de Juan José Campanella, en la adaptación al cine de la blogonovela “Más respeto que soy tu madre”, del argentino Hernán Casciari, que el director de El hijo de la novia, prepara con guión de Joaqín Górriz y Miguel Ángel Fernández (autores de las dos entregas de Isi & Disi o Los Manageres).

“Es una de mis ilusiones. He visto El hijo de la novia, Vientos de agua y El mismo amor, la misma lluvia, que me han parecido fantásticas. Pero lo más importante es que lo he conocido a él, y descubrí una persona maravillosa”, responde Carmen refiriéndose a la oportunidad de trabajar por primera vez con el director argentino.

La historia cuenta, en clave de humor, la historia de una familia argentina, y la narradora es un ama de casa , papel interpretado por Carmen Maura, que debe lidiar con su esposo, su suegro drogadicto y tres hijos adolescentes.

"En enero me voy a Francia a hacer una primera película, de Yasmine Arresa, es una escritora muy importante de obras de teatro. Es un tía muy importante, quien ha decidido hacer su primera película y a mi me toca, hacer un papel protagonista muy bonito. Después hago 'Más respeto que soy tu madre', que es una comedia divertidísima".


Fuente: Fotogramas, Perfil

Six feet under (español and english version)

En el año 2000, y tras el éxito cosechado con el largometraje «American Beauty», el guionista y productor Alan Ball creó la serie A dos metros bajo tierra («Six feet under») para la cadena de televisión por cable HBO. Los premios, los reconocimientos y las excelentes críticas, así como la aceptación del público, tanto nacional como internacional, han otorgado al producto un sello de calidad generalmente admitido.
Pero, ¿por qué es «A dos metros bajo tierra» una serie de calidad? ¿Qué entendemos por tal? ¿Cuáles son las cualidades básicas que explican su encomiable consideración en el panorama televisivo mundial? Nuestra comunicación pretende dar respuesta a estas y otras cuestiones a partir del análisis narrativo del capítulo piloto. Dicho capítulo, en primer lugar, da la bienvenida a los espectadores potenciales de la serie y los introduce en sus señas de identidad más características. Pero, complementariamente, fija los rasgos distintivos de un discurso serializado que tiene la vocación de prolongarse en el tiempo. Ese primer capítulo, por lo tanto, es prototípico de la personalidad expresiva del producto y fija el mapa genético que guiará su desarrollo ante la vigilante mirada del público.
Por todos esos motivos, nos parece interesante reflexionar sobre los aspectos más sobresalientes establecidos en la primera entrega de «A dos metros bajo tierra». Concretamente, proponemos un análisis centrado en la construcción del tono dramático de la serie, en la presentación de los personajes, en el establecimiento de posibles franquicias� o singularidades exclusivas� , en la delimitación de las estructuras del relato y en la introducción de las tramas que serán desarrolladas a partir de ese momento de arranque y que �por eso son conocidas en algunos sectores como tramas horizontales� servirán para la articulación del esqueleto narrativo de la temporada de marras e incluso de las futuribles. De igual modo, nos detendremos en los aspectos relacionados con el ámbito temático del discurso propuesto.

Intentaremos, en definitiva, desentrañar las razones que justifican que «A dos metros bajo tierra», con su matizada mezcla de humor negro y de drama, de costumbrismo crítico y fantasía, de cotidaneidad y extrañeza, sea tenida por una diáfana muestra de televisión de calidad.

ENGLISH:

Following the success of the film American Beauty, in 2000, the script writer and producer Alan Ball created the series Six feet under for HBO, the cable television channel. The awards, recognition and excellent reviews, as well as the national and international public response, have confered the series with a seal of unanimous approval.
But, why is Six feet under a quality series? What do we mean by that? What are the basic features that explains such a great welcome throughout the world? Our purpose is to address these and other questions through the narrative analysis of the pilot program. First of all, the program welcomes its potential audience and introduces them to its most characteristic features. But, at the same time, it sets the distinctive traits of a serialized discourse with long-lasting prospects. As such, that first program is the prototype of the product's expressive personality and creates the genetic map that will guide its development before the public's watchful eye.
For all those reasons, we feel we should reflect on the more outstanding narrative aspects of Six feet under's first program. In particular, we are proposing an analysis centered around the building of the dramatic tenor of the series, in the introduction of the characters, in the establishment of exclusive singularities, in the parameters of the story structure and in the introduction of the plot being developed continuously from the start and that will help to put together the narrative framework for the present season and even future ones � that's why they are known in some circles as horizontal plots -. Likewise, we will dwell on those aspects related with the subject matter at hand.

We shall definitely try to untangle the reasons why Six feet under is considered as a clear show of quality television, with a blend of black humour and drama, of custom and fantasy, of the common and the strange.

SIX FEET UNDER IN MEMORIAM- PART 1

El cine de Jim Jarmusch

"Me enferma esa palabra. Cada vez que escucho adjetivos como ‘caprichoso’ o ‘arriesgado’ saco mi revólver. Esas palabras se han convertido en etiquetas que le colocan a los productos para poder venderlos. Todo aquel que hace la película que quiere hacer, y que no es definida por análisis de mercado, es entonces ‘independiente’. Mis películas son hechas a mano. No son pulidas. Como si hubieran sido hechas en un garage. Son, de alguna manera, productos artesanales"
“It is a sad and beautiful world”Jim Jarmusch, Down by Law
“The beauty of life is in small details not in big events”Jim Jarmusch

Permanent Vacation, la ópera prima de Jim Jarmusch, uno de los directores de cine independiente norteamericano más importantes, inicia con la tajante contraposición de dos planos: una calle de Manhattan atestada de transeúntes conviviendo en su colectiva cotidianidad, desaparece repentinamente y es reemplazada por un callejón sucio y desolado, por el cual deambula Aloysious Cristopher Parker, personaje principal de la película. Es en estos primeros cuadros de una fructífera carrera cinematográfica, rodados en 16 mm con la ansiedad y con la inexperiencia de un trabajo de grado, en los cuales se instala una especie de acertado vaticinio, que predice en varios sentidos el lado de la calle en el que se quedará Jarmusch: lejos de las multitudes, rechazando un eje dramático convencional, escogiendo estructuras minimalistas y puras en cuanto a movimientos de cámara y apostándole a la música intradiegética, es decir, la que se origina dentro de la escena (por lo menos en su etapa más temprana). Y es que esos puntos que los fanáticos del cine convencional o mainstream denominarían “puntos muertos” y que seguramente quedarían por fuera de las estructuras dramáticas de la películas comerciales; constituyen una parte fundamental de la condición humana y de las relaciones con otras personas. Esto ciertamente lo comprende Jarmusch, quien por el contrario, se dirige a su público desde calles ausentes , con largos “blackouts” entre escena y escena, y conversaciones sobre pequeños detalles no relevantes, como el hecho de comerse o no una ciruela, o tratar de contar un chiste que ha sido olvidado. Jarmusch es gran devoto de esos momentos inevitables en todo estilo de vida citadina, como abordar el transporte público, tomar un taxi, mirar por la ventana, contemplar el paisaje, bailar, leer y ver televisión.Las temáticas de sus películas siempre tocan el terreno de la inhabilidad para comunicarse y para comprender del todo a los otros, sobretodo en un nivel de cuestionamiento de las diferentes maneras de pensar; a causa de las estructuras creadas por el lenguaje. Lo que no se dice se vuelve incluso más importante que las palabras, poniendo en evidencia el “espacio entre el conocimiento” del que hablaba Yasujiro Ozu, maestro del cine japonés y una de las principales influencias cinematográficas de Jarmusch. Entonces, por qué no salir esta vez a caminar por la calle vacía y hacer parte de la primera deambulación cinematográfica de Jarmusch, soportar los gritos de angustia y el constante sonido de las bombas inexistentes que recuerdan la guerra, conocer Nueva York en ruinas en medio de la basura y el desarraigo, balbucear historias inacabadas a personajes completamente desconocidos y perderse junto al saxo que murmurando “somewhere over the rainbow…” invita a entrar en el otro lado del drama.

Corto producido por Tim Burton

La película producida por Tim Burton promete ser un éxito que se llevará a la pantalla grande el 09/09/2009.

El cineasta Tim Burton se ha vuelto a remangar y meter las manos en la masa de la animación con una producción muy ambiciosa: 9. Basada en el corto de Shane Acker, para Burton los diez minutos de animación más extraordinarios jamás vistos, la cinta cuenta una historia futurista en un mundo paralelo en el que dos muñecos de trapo tienen que luchar contra una bestia mecánica.
Los personajes en los que se basan los de 9 eran mudos. Cada personaje es identificado con un número y será el 9 quien se encargará de salvar al mundo de una visión apocalíptica que les encamina hacia la perdición.
Con una estética muy particular y una potente banda sonora, "9" promete ser una de las películas que cerrarán el verano de 2009. Producida y apadrinada por Tim Burton, la película espera hacer una gran taquilla que lleve el género de la animación no sólo a los más pequeños.


Fuente: hoycinemas.

El cine de John Cassavetes- 2da. parte

Cassavetes es uno de los pocos directores modernos cuyos rodajes, escenas, diálogos y personajes son instantáneamente identificables con su hacedor.
Sólamente con observar unos pocos segundos de un film de nuestro admirado director supone el pronunciar su nombre y relacionarlo rápidamente con lo que acabamos de ver. Sus películas son una gran lucha en el silencio; los personajes hablan, luchan, bromean y ríen, cantan, se confiesan, lloran, sufren pulsiones nerviosas, beben y olvidan, aman y no siempre son correspondidos.
Sus personajes necesitan desesperadamente amor y amar, y en sus intentos son terriblemente torpes. Pero lo interesante para Cassavetes no es el conseguir este amor, sino como luchan y lo intentan sus personajes!
Cassavetes (1929-1989) es el director de cine independiente más importante de la jovencísima historia del cine. Debido a la frescura y a la manera de mostrar los sentimientos humanos, se le etiquetó rápidamente como un 100% director improvisador. Pero ésto no es del todo cierto. Él era el guionista de sus films, pero al basar sus propias historias en su vida personal y sus experiencias emocionales, y también debido a que sus actores eran siempre allegados si no familiares , se pensó en una total improvisación, y que sus films eran fruto de la casualidad, como si un videoaficionado de domingo montara una historia recortando y pegando imágenes en movimiento que ha ido grabando a lo largo del tiempo. Cassavetes cuidaba sus guiones escrupulosamente, ensayaba innumerables veces con sus actores, repasaba los textos con ellos, incluso en muchas ocasiones acopló sus escritos a la opinión y sugerencias que sus actores le facilitaban. Estaba siempre abierto al cambio, a escuchar a los que trabajaban con él.
Pero a la hora de actuar, de gritar “Action!” dejaba total libertad a los personajes para que se desarrollaran delante de la cámara. A pesar de existir un guión, Cassavetes permitía la libertad de acción y de movimiento de sus personajes. Buscaba la mayor naturalidad posible, es decir, permitía la improvisación.
También fue nuestro director uno de los primeros en rodar cámara en mano, liberarla del trípode y convertirla en su ojo. Técnica que más tarde sería copiada por muchos directores como método de acercar al público a la historia de la pantalla.
“una mujer bajo la influencia” es quizá el mejor film de Cassavetes, y muchos la incluyen dentro de una supuesta trilogía acerca de la edad y la vida matrimonial junto con “Minnie and Moskovitz” y “Husbands”.

Básicamente, este film trata sobre la peculiaridad de la especie humana. Está lleno de escenas íntimas, y tan reales que difícilmente pueden identificarse como ficticias.
Cassavetes prescindía de actores profesionales, no buscaba super estrellas a pesar que muchos actores de moda de la época deseaban ser llamados por él, tales como Burt Lancaster o Gudy Garland (cuando estaba sobria, claro); sino que se fijaba en personas normales y corrientes, la gente que le rodeaba a diario, seres cercanos en quienes proyectar la psicología de sus personajes y que éstos también se sintieran reflejados en estos roles; y así dar pie a la improvisación, al comportamiento espontáneo como bien lo haría el personaje en el caso de existir en la vida real.
En “una mujer bajo la influencia”, los personajes principales están interpretados por la mujer y musa del director, la bellísima y brillante -en todos los sentidos- Gena Rowlands (n.1930), quien hace el papel de Mabel, un ama de casa maníaco-depresiva. Más que una actuación, Rowlands sufre una posesión por parte de esta mujer frágil mentalmente. Se mimetizan hasta el punto en el que es imposible separar a la actriz del personaje, y obligando al espectador a empatizar casi instantáneamente con Mabel. Rowlands, en ninguna ocasión a lo largo de toda la película, resulta sobreactuada o poco creíble -pecado en el que sería facilísimo caer para una actriz mediocre…-; y, si hay que poner alguna pega o hacer un comentario un poco malicioso, podríamos decir que en ocasiones son excesivos los gestos que repetidamente hace Mabel enmedio de sus crisis paranoides.
Intervienen también en la película los padres de Cassavetes, en los roles de madre y padre de Nick (el marido de Mabel) . Me llamó la atención la más que correcta actuación de la madre de Cassavetes, Ekaterini, quien sin ser una actriz profesional encarna muy aceptablemente el papel de mujer algo descorazonada. Mientras que el padre del director, Nick, apenas articula dos palabras, y su aparición se limita a su sola presencia.
El papel de marido resignado y a veces incomprensivo, lo lleva a cabo Peter Falk, injustamente recordado únicamente por su papel en la televisiva y exitosa serio Colombo, quien era además íntimo amigo de Cassavetes.
En un primer momento, “una mujer bajo la influencia” fue un proyecto teatral. Cassavetes concibió esta historia pensando en llevarla a un escenario y, a pesar de que después cambiara de opinión, quedaron ciertas reminiscencias teatrales en el guión definitivo. Un ejemplo claro sería el número limitado de personajes, que forman un círculo cerrado. Existiendo como únicos elementos fuera de este círculo las apariciones de varios viandantes que se observan en la única secuencia que se desarrolla “outdoors”; cuando Mabel en zapatillas y totalmente descontrolada, acude a la parada del autobús escolar para recoger a sus hijos.
Otro aspecto teatral es la limitación espacial: el 99% del film se desarrolla dentro de la minúscula casa familiar, haciendo la atmósfera más espesa y agobiante.
Una de las escenas más memorables, líricas y con mayor poesía además de un gran valor plástico es la que podríamos denominar como “el desayuno con espaguetis”, en la que Nick lleva a casa a sus compañeros de trabajo para desayunar, y en la que Mabel les prepara unos espagueti.
Transcurre esta larguísima secuencia en apenas 4 planos diferentes; dentro de un silencio más ruidoso que el propio ruido, en el que los brutotes obreros realizan la liturgia de la mesa con gestos delicados y casi coreográficos.
Caras brutas, vastas, cansadas, con arrugas y psicologías. Un conjunto en el que cada elemento-persona es un individuo. Cassavetes los retrata con una dignidad y solemnidad increíbles.
Este desayuno sui géneris, su composición, la disposición de la mesa, el silencio, la liturgia del comer… recuerdan a una última cena cristiana pero pagana, con los trabajadores simbolizando unos apóstoles obreros y siendo Mabel un Cristo presente pero ausente.
También cabe destacar la importancia y significado del nombre Nick en la obra y vida de Cassavetes. De nuevo, un elemento de importancia es llevado a la obra; lo que nos vuelve a demostrar cómo de importante es el reflejo del hombre en la obra del artista.
El nombre de Nick es omnipresente en la vida y obra del director. Su padre: Nicholas, su único hermano, médico fallecido prematuramente a los 30 años, Nick John. Él mismo se llamaba John Nicholas, y su primogénito recibió el nombre de Nick.
Muchos críticos y frikis cinéfilos han interpretado la relación Nick-Mabel como una evidencia de su misma vida matrimonial con Rowlands. Y otro posible paralelismo entre vida y obra , y que funciona como denominador común en sus films es la presencia del alcohol como secundario permanente y silencioso (Cassavetes moriría en 1989 a causa de una cirrosis hepática y totalmente alcoholizado).
“Una mujer bajo la influencia” se trata, por tanto, de una canción, una balada sobre la dulce e inocente locura de una mujer presente y ausente, que se mueve con seguridad en el plano protector de su hogar pero que en el plano de su psiqué está totalmente desorientada.
Aconsejo – es casi obligatorio-, ver este film en su versión original; con subtítulos para los que no se manejen bien con el inglés americano, para poder apreciar al 100% la brillantísima mímesis de Rowlands (este papel le supuso su 1ª nominación a los Oscar, algo que nunca supuso un objetivo o una motivación para Cassavetes y su mujer… es decir, los Oscar les daba exactamente igual).
“una mujer bajo la influencia” es, quizá, y paradójicamente, la película más trabajada y estudiada del padre de la improvisación, del “laisser faire” en el cine, y del cine Indie.

El cine de John Cassavetes 1era. Parte

El cine de la vida

"Lo primero que todos quieren saber de una película es si tiene mucha acción o si es “aburrida”, si trata de problemas imaginarios que no existen en la realidad. Pero esta (A woman under the influence) es una película que sí tiene que ver con la gente. Para mí, lo aburrido es ver una película que no tiene nada que ver con mi vida. Creo que lo único interesante de las películas es ver una relación entre un hombre y una mujer."JOHN CASSAVETES.

Esencialmente, Cassavetes no filmó nunca historias, sino estados de ánimo. Un ejemplo de esa atención a las rugosidades y texturas emocionales, antes que a las causalidades del argumento, es Faces, pero también la espléndida Maridos (Husbands), filme que le permitió elaborar la muerte de su hermano. Maridos empieza con un entierro al que acuden tres amigos, encarnados por Peter Falk, Ben Gazzara y el propio Cassavetes. De regreso a casa, uno de ellos se resiste a subsumir lo ocurrido en el engranaje de la costumbre y rechaza la idea de regresar a su casa para ingresar a su vida cotidiana de trabajo, mujer e hijos. A partir de ese punto, lo que sigue en el filme son una serie de situaciones como discutir en el metro, jugar y perseguirse en las calles, nadar en una piscina, emborracharse, decidir tomar un vuelo a Londres, ligar con tres muchachas, meterse en una casa de apuestas y, finalmente, regresar a casa. Todo lo ocurrido es, por supuesto, su manera de estar juntos y de protestar por ese absurdo de la muerte.De todas estas escenas que pueden ser consideradas episódicas e intercambiables, en tanto no tienen una férrea causalidad, la famosa escena de la borrachera es antológica: los personajes de Falk, Gazzara y Cassavetes están sentados en una amplia mesa de una taberna junto a unas diez personas más, que deben haber conocido allí mismo. La mesa está repleta de jarras de cerveza. Cuando empieza la escena, cada uno, por turnos, canta una canción. La ebriedad hace que, de rato en rato, se interrumpan, suelten risas desencajadas, murmuren, etc. Cuando le llega el turno a una tal Leona, mujer de unos 70 años, esta empieza a entonar una canción y Gazzara y sus compinches la interrumpen. Le dicen que es terrible, que canta sin sentimiento, que es impostada. Una y otra vez, Leona reempieza su canción y, una y otra vez, la cortan para gritarle, para implorarle, para besarla, para sacudirla y obligarla a que cante “from the heart”, desde el corazón.

El amor y los personajes.

Desde Sombras (Shadows) hasta Love Streams, todos los personajes de sus filmes están atravesados por el amor, su pérdida, búsqueda, carencia o celebración: en Sombras, las asperezas y vaivenes de los amores interraciales; en Faces, la separación de una pareja; en Husbands, la muerte de un amigo; en A woman under the influence, el costo de amar a alguien que está más allá de lo que llamamos normalidad; en Así habla el amor (Minnie and Moskowitz), el encuentro de dos tenaces solitarios; en The killing of a chinese bookie, la soledad de quien vive para la noche; en Opening Night, el temor a envejecer y el amor por el teatro; en Love streams, el intento de estirarse mutuamente la mano de dos hermanos ya mayores. Por eso, sus mejores filmes pueden ser vistos como una secuencia de “estudios”, a la manera de los bocetos de un pintor, sobre las resonancias del amor o su ausencia en sus personajes.“Necesito que los personajes analicen en serio qué es el amor, que lo maten, que lo destruyan, que se hagan daño”, escribió el propio Cassavetes. Con una concepción tan clara de su cine, era natural que el foco de sus filmes estuviera puesto en los actores y en su performance antes que en cualquier otro aspecto de la puesta en escena. Por eso, planteaba a sus directores de fotografía que las locaciones tuvieran tan solo una iluminación general para que sus actores se puedan desplazar por donde quisieran, sin tener que pensar (y distraerse) en detalles como no estar en una zona iluminada. También, el director escribía y reescribía sus guiones una y otra vez, luego de cada ensayo, compulsiva, tenazmente, buscando atrapar la “espontaneidad” y la “verdad” que iban surgiendo de cada exploración a que sometía a sus actores. Esa es la razón por la que se extendió el mito de que su cine era producto de la “improvisación”: parecía la vida misma.

Una película de 50 euros...

Mark Price es un trabajador de una empresa de mensajería que ha roto moldes al conseguir que su primera película, Colin, rodada con un presupuesto de 50 euros, se exhiba a partir de octubre en cines de todo Reino Unido. ¿A qué se destinó ese dinero? "A comprar té, café... y palancas", explicó Price, quien confirmó que el filme también irá al festival de Sitges.


El galés, de 30 años, es el guionista, director y productor de esta película, que cuenta la historia de un zombi desde la perspectiva del propio muerto viviente. El actor Alastair Kirton encarna a Colin, un hombre que es mordido por un zombi, muere y resucita convertido en uno de ellos.

El rodaje, entre Gales e Inglaterra, comenzó en agosto de 2005 y su montaje se alargó durante 18 meses. Para la grabación se utilizaron sólo dos cámaras domésticas. La edición la hizo el propio Price en la oficina donde trabaja, en Londres, con la única ayuda de un ordenador y algunos programas informáticos básicos.

Colin pudo realizarse con tan poco presupuesto gracias también al uso de las redes sociales Facebook y MySpace. Price abrió una convocatoria para reclutar secundarios con los que completar su equipo, formado finalmente por cerca de 100 personas, aunque la mayoría fueron "amigos y amigos de otros amigos". El filme ha generado críticas positivas entre los amantes del cine de terror y continúa utilizando Internet como eje central para su promoción.

Fuente: El Páis.

Trailer de Alicia en el país de las maravillas

Líbero

LIBERO
(Anche libero va bene)
Italia, 2006.

Dirección: Kim Rossi Stuart.
Guión: Linda Ferri, Federico Starnone, Fancesco Giammusso y Kim Rossi Stuart.
Fotografía: Stefano Falivene.
Música: Banda Osiris.
Intérpretes: Alessandro Morace, Kim Rossi Stuart, Barbara Bobulova, Marta Nobili, Pietro Da Silva.

La sorpresa ya lleva un año. En la edición 2006 de la Quincena de los Realizadores del Festival de Cannes impresionó el repunte del cine europeo de autor. De cinematografías que parecían perdidas para la causa, como la española o la húngara, asomaron films luminosos, fuera de lo común. Y de Italia, que también daba la impresión de ser irrecuperable, apareció Anche libero va bene, ópera prima como realizador del actor Kim Rossi Stuart, cuyo estreno ahora en Buenos Aires –bajo el sintético título de Libero– viene a confirmar la solidez y la sensibilidad de esta película infrecuente, compleja, que no debería pasar inadvertida.

El hecho de que su protagonista sea un niño no debería llamar a engaño. Desde su refundación con el neorrealismo, el cine italiano ha privilegiado la mirada infantil, para bien pero también muchas veces para mal. Lo notable del film de Rossi Stuart es la manera en que asume esta tradición sin traicionarla y sin bastardearla, evitando en todo momento la infección sentimental. Libero es un film cálido pero duro, seco, que jamás cede a la tentación de la extorsión o la lágrima.

Tommi tiene once años y vive con Viola, su hermana mayor, y con su padre, Renato (el propio Rossi Stuart). La madre es algo más que una figura ausente: es motivo de silencio, de furia, un anatema. Dejó la casa familiar más de una vez –poco a poco se irán infiriendo los motivos, que tienen que ver con su desequilibrio emocional– y ahora Renato la lleva como puede, con un orden por momentos marcial, que él mismo se encarga de socavar cuando por la noche les permite a sus dos hijos compartir con él la tibieza de la cama matrimonial, donde él también se siente solo.
"Te voy a mandar a la Academia Militar”, grita exasperado Renato cuando no consigue despertar por la mañana a Tommi para ir al colegio. Y los gritos de ese padre son verdaderamente terribles. El inteligente uso del sonido los vuelve metálicos, hirientes, casi más que si levantara su mano. Pero Tommi no le teme a su padre, más bien lo padece, lo comprende, con una rara madurez, con un equilibrio que lo pone en el lugar de una figura adulta, a diferencia de ese hombre y esa mujer que parecen niños a pesar de ser sus padres.
Para ser un actor asociado hasta ahora a personajes de galán, Rossi Stuart no se reservó precisamente un papel agradable. Renato no es por cierto ningún villano, pero en sus actitudes cotidianas se revela un rencor, un oscuro resentimiento contra el mundo que lo vuelve muchas veces estúpidamente orgulloso, obsecado, odioso, preocupado por un dinero siempre escaso y que él ve magnificado exageradamente en los demás. A Viola, su hija mayor, la cuida, la mima pero también le grita por naderías. Y de Tommi exige lo que Tommi no quiere: que sea un eximio nadador, cuando él querría conformarse con jugar al fútbol con los compañeros de su escuela.
Una de las muchas virtudes del film de Rossi Stuart es la relación que impone entre sus personajes, que es una relación afectuosa, familiar pero también laboral. En esa casa cada uno tiene sus obligaciones, su trabajo, que los chicos no necesariamente cumplen, por el solo hecho de ser eso, niños. La puesta en escena de Rossi Stuart acentúa estas tensiones entre padre e hijos con una rara sobriedad, elaborando sentido a partir de planos cortos, cerrados, donde privilegia no sólo el cruce de miradas sino también la relación entre los cuerpos: las caricias, los manotazos, los empujones.
En la neurosis de esa familia hay una permanente dicotomía entre ternura y violencia que remite al universo de John Cassavetes antes que al de Nanni Moretti, que a priori podría parecer el modelo de Rossi Stuart, aunque más no fuera por su doble calidad de actor y director. Pero Libero no habla en primera persona, como el cine de Moretti, sino en tercera: el punto de vista es siempre el de Tommi, el del hijo, y es a través de sus ojos que el film de Rossi Stuart va elaborando la figura difícil, compleja, contradictoria del padre.


Fuente: Página 12

Burn-E

En la mente de Pixar, sus cortometrajes ocupan un lugar privilegiado. Sobre ellos preparan sus siguientes proyectos, a sus futuros directores, y realizan las pruebas que luego tienen pensando incorporar en sus próximas películas. Dentro de sus películas breves, éstas aparecen divididas entre las que acompañan a uno de los largometrajes, como preámbulo al film, y los que van incorporados como extras en el lanzamiento del DVD de la película. En el caso de ‘Wall-E’, sería ‘Presto’ el ejemplo para el primer caso, y ‘Burn-E’, que es el trabajo que hoy os traemos, como ejemplo para el segundo caso.
La diferencia entre uno y otro estriba en la temática del mismo. Mientras Presto tiene completa independencia sobre la trama, Burn-E va tener la historia relacionada directamente con los personajes de la película de la que depende. Así, en esta ocasión, tenemos a un robot de reparación, responde al nombre de Burn-E, que tiene que arreglar un desperfecto ocurrido en exterior de la nave, y se queda atrapado fuera de la misma, cuando Eve y Wall-E regresan de nuevo a bordo tras su baile por el espacio. A partir de ahí, nuestro nuevo robot, se las tendrá que ingeniar para volver al interior de la nave espacial.
Sin ninguno genero de dudas, la grandeza de Pixar reside en sus guiones (gráficos, como si de un tebeo se tratase, donde dan orden a la historia). Sobre esa base construyen el armazón de lo que luego dibujan. Y en este cortometraje vuelven a rizar el rizo. No sólo por situar argumentalmente el desarrollo de la odisea de Burn-E en pleno hilo argumental de la película, sino porque le dan explicación a todo lo que tiene que sufrir este robot, provocado involuntariamente por Wall-E. Para ello retoman dos de las mejores secuencias de la película, la del viaje espacial de Wall-E a través de la vía láctea y el baile del extintor con Eve, introduciendo ambas secuencias dramáticamente en la historia, para alegría del espectador.
Cierto que, este ‘Burn-E’, no es ‘Presto’, ni ‘Lifted’, pero sigue mostrando el camino que ilumina los pasos de los cortometrajes de Pixar: los clásicos de la animación de toda la vida y los clásicos del cine mudo como Charlot o Buster Keaton. De nuevo estos robots tienen más vida que cualquier personaje de carne y hueso. De nuevo, la dosis anual de Pixar se sigue esperando como agua de mayo. Da igual si la obra es mejor o peor que otras. El nivel sigue siendo elevado. Y uno lo agradece siempre.

El Don Quijote de Terry Gilliams

Terry Gilliam vuelve al Quijote

"Necesito una joven Penélope Cruz con la locura y el peligro de 'Jamón, jamón"
Un cierre en falso que los agoreros ya habían pronosticado cuando su presupuesto se redujo de 40 a 32 millones de dólares (de 28 a 21 millones de euros) y Gilliam no pudo ensayar previamente con ninguno de los actores protagonistas (Johnny Depp, Jean Rochefort, Vanessa Paradis o Jonathan Pryce), repletos de compromisos; y que se cumplió tras unas impresionantes inundaciones en el lugar de rodaje, las navarras Bardenas Reales, que convirtieron el desierto en un lodazal y destruyeron los decorados, y una doble hernia discal en la columna del quijote Rochefort, que le impide desde ese día montar a caballo.

De todo aquello quedó un documental, Lost in La Mancha, de Keith Fulton y Louis Pepe, contratados para filmar el making of y que acabaron rodando el unmaking of, el testimonio sobre cómo no se hizo The man who killed Don Quixote.

Hace un mes, Gilliam, el creador de Brazil, Doce monos, El rey pescador y que en el pasado Cannes presentó El imaginario del doctor Parnassus, anunció que volvía a la carga, que cabalgaba de nuevo con su Quijote. "Le dediqué 10 años de mi vida entonces y mi mente ha seguido en él", confiesa. El cineasta ha pasado el fin de semana en Ibiza, recibiendo un homenaje en la tercera edición de su festival internacional de cine IFF. En los últimos siete años, Gilliam ha estado batallando contra los abogados de las diferentes compañías de seguros que se habían quedado con los derechos del proyecto y del guión.

Hoy, apoyado por el prestigioso productor Jeremy Thomas, vuelve a tener la sartén por el mango. Buena imagen para un gastrónomo voraz, que charla sobre el proyecto mientras comienza una opípara comida, junto a su mujer y su asistente, en dalt vila, el casco histórico de Ibiza. Con una de sus llamativas camisas, Gilliam rememora entre risas -nunca, ni hablando del fallecido Heath Ledger ("Era el mejor de su generación, y muy divertido, no un torturado como dice la leyenda"), protagonista de su Doctor Parnasus, le abandona la sonrisa- todas sus desventuras. "Claro que rodaré en España. Será en primavera y este julio ya estaré en Madrid preparando la preproducción. Pero no volverá a las Bardenas. "Es una lástima, porque es un sitio bellísimo e impresionante, pero sólo vale para hacer anuncios", y se aprieta una croqueta de diseño.

El director se refiere a la imposibilidad de filmar con sonido directo en el paraje navarro, por la cercanía de un campo de tiro para aviones de la TAN, hecho que no descubrió hasta el primer día de rodaje del viejo Quijote, cuando empezaron a oírse un reactor tras otro cada 15 minutos. "Sólo volveré si la OTAN quiebra, y sospecho que eso no va a ocurrir".

"Durante todos estos años sabía que tenía un guión perfecto, y ni lo miré. Hace unos meses lo leí de nuevo, ¡y lo he reescrito!". Se echa a reír. "Muchas cosas han cambiado en el inicio porque muchas cosas han cambiado en la actualidad. Incluida la crisis económica, y el triunfo de los ineptos en Hollywood. Nunca quise adaptar el libro como tal. Es grande y perfecto. Yo quería, y quiero, usar Don Quijote y algunas de sus aventuras para sentirme libre, probablemente como haría el mismo Cervantes. ¡Deberías preguntarle a él!". El hilo argumental sigue igual: un ejecutivo londinense (Johnny Depp) viaja al siglo XVII y a España, donde Don Quijote lo confunde con su Sancho Panza. "Todo el mundo dice conocer muy bien a Don Quijote. Me pasó en 1990. Un productor me propuso la idea, la acepté y después leí la novela. Cambió mi percepción por completo. Es maravilloso, y la segunda parte, moderna. Pirandello firmaría cada palabra del segundo libro. Pero es imposible adaptarlo y yo necesitaba libertad para que el público actual entendiera aquella época. Por eso inventé al ejecutivo. Ahora he ido haciéndolo más autobiográfico. Y todavía lo estoy reescribiendo. Por ejemplo, ahora hay un director que quiso rodar un Quijote con habitantes de un pueblo español, y uno se cree el caballero. Es una trama peligrosa y no sé hacia dónde me va a llevar".
Orson Welles persiguió como un poseso toda su vida a Don Quijote. "¡Rodó durante años! De ahí no podía salir un buen trabajo". Chaplin acarició secretamente el proyecto. "Para mí es importante, pero no fundamental. La gente razonable me decía: 'No pierdas el tiempo, abandónalo'. Y por eso he seguido tras él. No sé si tendré más o menos presupuesto que en 2000. Depende de quién esté. Johnny está muy ocupado con sus Piratas del Caribe, pero, como siempre, me dijo: 'Llámame y allí estaré'. En cuanto a Don Quijote, aún no lo tengo claro. Ni siquiera he pensado en nombres. Aunque seguramente será europeo. ¿Tienes alguna propuesta?".
También anda buscando una Dulcinea. "Tendré actores españoles. Rossy de Palma se ha ofrecido. No, no será Dulcinea. Pero creo que estará. Para Dulcinea necesito una joven Penélope Cruz, de unos 20 años. Con la locura y el peligro que emanaba Cruz en Jamón, jamón. ¿Por qué no lo hace tan bien en Hollywood? En fin, a lo mejor contrato a una argentina o una brasileña. Pero no tendrán lo que una española: fuego en la mirada ¿Existe ahora alguien así?".
Terry Gilliam echa la vista atrás, picotea una ensalada y se autodefine: "¿Mi carrera? Hombre, no he matado a nadie. Me siento un soñador como Don Quijote y duro trabajador del día a día como Sancho Panza. Perfecto para mi personalidad esquizofrénica. Pero en serio, he hecho un puñado de buenos filmes. Tengo una teoría: he hecho menos malas películas que otros cineastas".

Mckee- El Dilema.

Entre las muchas cosas que se pueden encontrar en este mundo, una de ellas es la inspiración. Esa criatura caprichosa que ni se ve ni se palpa, y que paraójicamente es mas pesada y angustiosa cuando no aparece. Tranquilos, no volveré con el tema de la búsqueda y el encuentro. La estructura del guión tiene sus reglas, como nos describe Mckee en su libro pero, ¿y las reglas de la inspiración?¿Dónde se aprenden? Me temo que no las hay, aunque habrá maneras de fomentarla, pero eso es cuestión de cada autor de encontrarla en lugares y momentos dispares. Por lo tanto, habrá que aprender el resto de los elementos que conforman el guión y dejar que la criatura caprichosa aparezca cuando le venga en gana.

Una frase que nos decía a menudo Fernando Castets, y que creo que todo profesor de guión ha enseñado a sus alumnos, es que primero hay que aprender las reglas, para luego poder saltárselas.

Y es, en el momento en que se saltan, cuando aparecen obras maestras como Pulp Fiction o Memento (seguro que aquí hay diversidad de opiniones, pero aquí plasmo la mía), donde esas reglas aparecen, pero en un orden alterado y establecidas con un originalidad sublime, pero siempre conociéndolas. Me encantaría acudir al seminario de Mckee para ver qué opina de este tema. Bueno, sabiendo que algunos amigos acudirán, ya les arrasaré a preguntas.

Pues yo ahora mismo tengo un dilema: Mckee comenzó sus carrera escribiendo guiones (Dead Files, Hard Knocks entre otros), pero optó por venderlos a grandes productoras, a pesar de ganar premios nacionales con ellos. También escribió guiones de grandes series como Colombo o Koyac con Telly Savalas, ganándose a crítica y público. Pronto ingresó como profesor en la Escuela de cine y Televisión donde comenzó su famoso Seminario. En todo este tiempo continuó escribiendo series y programas de Televisión, el cual le valió un premio BAFTA (Los oscars ingleses). Mientras proseguía enseñando a productores, directores y actores las artes narrativas y estructurales del guión.

El caso es que algún guionista, como Joe Esterzas le han criticado precisamente por el mismo tema que les plantee la semana pasada: el referente a que cómo alguien que no ha escrito nada, puede enseñar a escribir guiones. Pues bien, la cuestión de que no ha escrito nada creo que ha quedado aclarada en lo arriba expuesto. El caso es que la contestación que Mckee da a dicho crítico suyo es “El mundo está lleno de gente que enseña cosas que ellos mismos no pueden hacer”. Y ese es mi dilema, ¿Humildad o realidad? Tiene CV de sobra para contestar afirmativamente a esa critica, y más cuando Eszertehas ha sido el artifice de Showgirls, sin comentarios. Mckee podría llevar a cabo cualquier tipo de guión, simplemente ha decidido tirar por la senda de la enseñanza, lo que le ha valido el respeto internacional, donde casi todas las grandes productoras le tienen com asesor de guiones. Incluso compañías com Microsoft le contratan para retocar los guiones de sus videojuegos. También fue retratado por el gran guionista Charlie Kaufman, que le reservó un hueco en la historia que trenzó en Adaptation de Spike Jonze, donde su personaje lo llevó a cabo Brian Cox.

Maggie Simpson HABLA!

Después de años y años de silencio y de ser un bebe eterno, finalmente Maggie Simpson empieza a hablar. Ningún gu, gu, gu, ga, ga papa no, como no podía ser de otra manera el personaje -en la voz de Jodie Foster- empieza a dar una disertación defendiéndose del director de su guardería.
Previamente, en 1992, el personaje había dicho "papi" gracias a la voz de otra famosa, nada menos que Elisabeth Taylor.
En este capítulo especial -ya emitido en los Estados Unidos, pero no aún en nuestro país- Maggie se cansa de que el director de su guardería le rompa los juguetes que ella arma y en una especie de juicio, ella es la voz de su propia defensa.
La exitosa serie está festejando esta temporada sus 20 años en el aire.

Noticias de Cannes II

Entre 'Amor al primer mordisco' y el 'Drácula' de Tod Browning cabía esperar un término medio, pero bueno es Park Chan-Wook, coreano y al parecer vampirólogo vocacional, para negociar los términos medios. En espera del porno forestal de Lars Von Trier ('Anticristo') y después de la candidez ensoñadora y tridimensional del 'Up' de los magos de Pixar, ha llegado a la sección oficial de Cannes el 'gore' urbano y bestiajo de este cineasta acostumbrado a 'epater les bourgeois', vamos, en cristiano, a dejar nota al personal. Y la cosa es que maestría no le falta, no. Y el caso es que algunos planos de 'Bak Jwi' ('Sed. Esta es mi sangre') parecen modernas pinturas tenebristas a caballo entre Caravaggio, Odilon Redon y los cómics negros sobre historias de Neil Gaiman. Y que algunas de sus secuencias tienen tanta fuerza plástica que el espectador -en este caso, este pobre diablo que os lo cuenta- se va apelotonando primero y después siendo engullido por la butaca.
Pero es preciso decir que cuando alguien dotado de técnica pretende acogotar, acogota. Otra cosa distinta es la historia que quiera contar, o incluso peor que eso: si hay alguna historia que contar más allá de la media hora de metraje, que es lo que debería durar este episodio de 'amour fou' entre vampiros coreanos, poco más que un corto alargado hasta la extenuación, pero Cannes es Cannes y cualquier rareza revestida de prestigio da el pego.
O a lo mejor resulta que, en época de vampiros financieros y demás ralea de chupasangres, el bueno de Park Chan-Wook ha querido poner su granito de arena en la reflexión mundial, oyes y eso sería encomiable, pero ya para las páginas de Economía, no para las de Cultura.
Un cura coreano muy atormentado con la vida (más o menos como cuando Leire Pajín o Soraya Sáenz de Santamaría hablan de sus cosas) descubre que le va la marcha loca de chupar la sangre de otras personas, vamos, que el tolay se ha convertido en un vampiro de tomo y lomo por ya no me acuerdo de qué transfusión, o igual era un virus, no sé. Se sabe en pecado pero, como decían los gloriosos Martes y 13, "goza gon ese gusdillo gue da el begar". Eva era una hembra que tenía hambre, hombre, y lo mismo el vampiro de esta peli, sólo que él lo que tiene mayormente es sed. Así que, por morder, muerde a la chica de la peli, y se hacen novios, novios vampiros. Y de ahí en adelante, la caraba en verso, lo nunca visto, borbotones de hemoglobina, esternones quebrados y un sospechoso lujo de detalles a la hora de enseñar uñas arrancadas, llagas purulentas, chorros de sangre y fiambres colgados en la bañera. Park Chan-Wook ('Old Boy', 'Soy un ciborg', 'Lady Vengeance'...) sabe de qué va el discurso del pecado y la redención, eso está claro, lástima que se le vaya la mano con los mordiscos y los vampiros saltarines, que para saltos ya estaba Ang Lee en 'Tigre y Dragón', y esto no es, evidentemente, 'Tigre y Dragón'.
James Blog.

Noticias desde Cannes.

El (ya casi inmortal para sus incondicionales) Francis Ford Coppola ha traído a Cannes su última película, Tetro, rodada en Buenos Aires y Alicante y protagonizada por Vincent Gallo, Maribel Verdú y el jovencísimo Alden Ehrenreich . Pero, pese a llevar cosidos en su guerrera los galones del tipo que firmó obras maestras como El Padrino o Apocalypse Now, Coppola (Detroit, 1939) no ha podido incrustar esta historia de filias y fobias familiares en la competición por la Palma de Oro (que ya ganó en 1979 precisamente con Apocalypse Now)... y se ha tenido que contentar con abrir la Quincena de Realizadores, llena de prestigio, sí, pero fuera de los focos y de la alfombra roja de La Croisette. "La verdad es que tampoco me veía con esmoquin presentando esta peli de cine independiente", asegura.

Estos son algunos fogonazos de sabiduría que, sobre el cine y la vida en general, ha dejado caer en Cannes el director de La ley de la calle, La conversación o Corazonada, eterno electrón independiente -y bien que tuvo que pagar sus osadías artísticas- del mejor cine americano. Hubo un tiempo en que Francis Ford Coppola se arruinó. Hoy, gracias al cine pero también al vino y la hostelería, nada en la abundancia. Justicia poética, que se llama. Lo que no quita para recordar al lector que Tetro es, excepción hecha de media hora fulgurante que recuerda al Coppola de La ley de la calle... una película fallida, extrañamente fallida.

- INDEPENDENCIA. "Siempre quise ser independiente, y eso a pesar de ser un director que hacía películas en un lugar como Hollywood. Hoy, yo ya no quiero ir a un gran estudio a pedir dinero, para que me digan: '¡Haz otra de gángsteres!'. El secreto es que seas tú el que tengas el dinero para la película, así no tienes que perder el tiempo esperando y discutiendo con nadie. Cuando hice La conversación nadie quería darme dinero. Pero la hice. Y gracias al prestigio que me dio El Padrino pude lograr un control absoluto sobre mis películas... pero luego, entre los 40 y los 50 años, me llené de deudas y tuve que hacer una película al año para pagarlas. Sólo después de Drácula dejé de tener deudas".

- LA FAMILIA. "La familia es importante e interesante. En ocasiones, a la vez la amas y la detestas. Es genial haber hecho una película sobre la familia... así me siento liberado".

- BLANCO Y NEGRO. "¿Por qué rodé Tetro en blanco y negro? ¿Por qué no? Kurosawa hacía blanco y negro en cinemascope y aquello era una maravilla".

- TALENTO Y MERCADO. "Normalmente, la gente con talento ignora el mercado... por eso hice esta película. ¡Fíjese en la cantidad de películas de superhéroes absurdas que triunfan en el mercado! ¡Fíjese en la de escritores geniales que no han podido publicar sus libros!".

- ORSON WELLES Y ÉL. "Hay dos diferencias entre nosotros. Yo soy rico y voy en avión privado, y él no tenía un duro, tenía que estar siempre buscando dinero en todas partes para poder hacer cine. Y él estaba bastante más gordo que yo".

- ¿LIBERTAD O DINERO? "Bueno... el dinero te da la libertad".

- JAVIER BARDEM. "No es que yo le llamara y luego prescindiera de él. Fue él quien me mostró su interés por estar en 'Tetro', pero luego ganó un Oscar y decidió cambiar de registro y no participar en películas como ésta. Bueno, fue así como descubrí a Carmen Maura...".

- LA SAGA COPPOLA. "Siempre procuré llevarme a mis hijos a los rodajes, para que aprendieran más cosas que en la escuela. A Sophia y a Roman les dejaba hacer novillos sin problemas".

- CANNES. "Tenían tanto director bueno que no había sitio para Tetro en la competición. Entonces me ofrecieron una sesión especial de gala, con alfombra roja y todo. Les dije que no, y decidí venir a la Quincena".

diario el pais.

PA RA DA

Se supone que los payasos llevan alegría a los niños. Este es un supuesto porque, como ya sabemos, no son pocos los pequeños que sienten temor frente a estos hombres con la cara pintada y ropa extraña. Para ser sinceros, hay muchos adultos que tampoco se sienten cómodos con los payasos: detrás del maquillaje, suele esconderse un dejo de tristeza.

Sin embargo, en este caso, vamos a hablar de un payaso que trasciende el espectáculo en sí y que se encarga de alegrar la vida de muchos chicos. Se trata de una felicidad concreta, ya que a los niños que viven en las calles no se les suele presentar atención, y este payaso dedica a su existencia a ellos.

Pa-ra-da es una co-producción entre Rumania, Italia y Francia que se centra en la historia real del franco-argelino Miloud Oukili. Miloud, nacido en 1972, es el fundador de una compañía de circo formada por chicos que viven en las calles de Bucarest, conocidos como boskettari. Pa-ra-da es el nombre del circo que viaja por Europa e intenta transmitir un mensaje de solidaridad y amistad.

El filme, de 100 minutos de duración, se encuentra dirigido por el debutante Marco Pontecorvo y está protagonizado por Jalil Lespert (en la piel de Oukili), Evita Ciri y Daniele Formica, entre otros actores. A partir del jueves formará parte de las salas de Argentina, un país por el que ya pasó en noviembre del año pasado para ser exhibida en el Festival de Mar del Plata.
Pa-ra-da refleja los esfuerzos del payaso por acercarse a los chicos que viven en las cloacas y en los túneles subterráneos de la capital rumana. Los pequeños, que suelen ser perseguidos y maltratados por la policía, mostraron una lógica desconfianza hacia Miloud, aunque, con el tiempo, éste consiguió ganarse su afecto y entablar una buena relación con ellos.

Pa-ra-da está ambientada en 1992, el año en que Miloud llegó a Rumania. Sin embargo, cierra con imágenes de 2007. Ese periodo de quince años no fue suficiente para que las calles rumanas dejen de ser el hogar de cientos de niños, lo que muestra que, más allá de los esfuerzos personales, se necesitan políticas serias para solucionar los problemas sociales.

UP! de Pixar.

Parece que dejaron de lado "Angeles y demonios" para la apertura del festival de Cannes y se decidieron por esta nueva película de Pixar, llamada "Up!".

Parece que la gente de Pixar se inspiro en la geografía del estado Bolívar y del Parque Nacional Canaima, viajaron hasta el Salto Angel con un equipo completo de cineastas y dibujantes, el resultado es simplemente precioso. Parte de la trama de la película ocurre en este mágico lugar.

Trailer:

Escandalo en el Vaticano.

La Iglesia invita a boicotear 'Ángeles y demonios', secuela de 'El código Da Vinci'.

Todavía no se ha estrenado, pero la Iglesia católica ya lo tiene claro y ha recomendado boicotear la película Ángeles y demonios, el thriller dirigido por Ron Howard, basado en la novela homónima de Dan Brown, que inaugurará el 13 de mayo el Festival de Cannes. Como ocurrió con la adaptación cinematográfica de El código Da Vinci, la nueva entrega, en la que Tom Hanks vuelve a encarnar al estudioso Robert Langdon, no ha gustado al Vaticano, que empezó negando el permiso para rodar dentro de dos iglesias romanas. "La película sigue una línea que perjudica al sentido religioso común", ha dicho Marco Fibbi, portavoz de la Vicaría de Roma.
La reacción de la Santa Sede no ha sorprendido a los productores. Al contrario, casi parece buscada como reclamo publicitario, a juzgar por las declaraciones de uno de ellos, John Calley: "Si la primera película fue prudentemente anticatólica, la segunda cita es algo menos reverencial y sabemos que la polémica está asegurada". Quizá por eso, el arzobispo Velasio de Paolis, ministro vaticano de Economía, teme el efecto boomerang y recomienda no "dramatizar", porque "involuntariamente se le regala publicidad".
En Ángeles y demonios, el profesor Langdon descubre la existencia de una importante secta secreta -Los Iluminados- que durante siglos se ha opuesto frontalmente al poder de la Iglesia Romana. Junto a una científica (Ayelet Zurer), investigará el homicidio de un científico del Cern (el Centro Europeo Nuclear), donde se rodaron algunas secuencias.
La película combina, según su director, "ciencia y religión, razón y misterio espiritual", y asegura que, "aunque el argumento es delicado y puede herir algunas sensibilidades, se trata sólo de ficción".

Los falsos turistas que quebraron el cerco de Vaticano
Varios técnicos de la película 'Ángeles y demonios' toman de incógnito miles de imágenes de la Santa Sede para evitar el veto papal sobre el rodaje
El Vaticano dijo que no. Que en sus calles no se iba a rodar la precuela de El código da Vinci, ese taquillazo mundial que ponía en solfa a la iglesia católica. Pero se da la circunstancia de que la película, titulada Ángeles y demonios, sucede en la urbe de la Santa Sede, así que los productores recurrieron a un ardid: disfrazaron a sus cámaras de turistas, según informa el diario británico

Fuente: El País.

Lo nuevo de jim jarmusch

"The limits of control" Es un thriller dramático sigue a un hombre solitario y misterioso (Bankolé) que desempeña sus actividades fuera de la ley. Ahora se encuentra en España para completar un trabajito, cuyos objetivos son inicialmente desconocidos. Su aventura no sólo le conducirá a través del país, sino también a través de su propia conciencia, en un extraño periplo que parece situarse entre la realidad y el sueño. El argumento suena bastante vago y enigmático, y lo cierto es que el tráiler también se mueve por esos mismos derroteros de intriga y ensoñación que apunta la trama. Por cierto, la fotografía es obra del premiado Christopher Doyle.

Z32

Un ex soldado israelí perteneciente a un grupo de élite, que había participado en una misión de represalia matando a dos policías palestinos en servicio, busca ser perdonado dando testimonio de sus actos. Z32 es su nombre en código tal como está registrado en los archivos oficiales.
El filme pertenece al género del documental testimonial con algo de tragedia griega. Mediante el testimonio de un soldado israelí que padece un síndrome post-traumático, Z32 denuncia el lavado de cerebro al que son sometidos los soldados en el ejército y la constante incitación a realizar intervenciones militares sin que aquéllos tomen plena consciencia de sus actos.
En un impactante momento de la entrevista, Z32 dice haber recibido órdenes de disparar contra todo niño, hombre o mujer palestino ante la mínima sospecha y reconoce haber sentido una especie de placer morboso en este tipo de intervenciones armadas, en las que había que salir a matar.
Los jóvenes de 18 años son adultos en formación y todavía no tienen firmes sus valores, lo cual los vuelve fácilmente manipulables por el ejército. Avi Mograbi muestra así que las fuerzas armadas, no sólo la israelí, preparan a los jóvenes para actuar en un estado de insensibilidad frente a la muerte y que esto les produce trastornos psicológicos muy difíciles de superar incluso en el largo plazo.
En Z32 los comentarios cantados no sólo sirven de aclaración, sino también como medio para el realizador de expresar frustración, desesperación, dolor y angustia frente a la realidad política de su país.
Las máscaras, que el equipo de posproducción ha creado para ocultar la identidad del testigo, también están inspiradas en el teatro griego. Desde la utilización de una rudimentaria prenda de vestir a la que el mismo Mograbi practicó delante de la cámara cuatro orificios a la altura de los ojos, la boca y la nariz, pasando por los efectos de pixelado y flou, el responsable de los efectos especiales finalmente pensó en la utilización de máscaras 3D aplicadas sobre los rostros del soldado y su novia durante la mayor parte del proceso testimonial.
Si bien la película cumple su objetivo de toma de conciencia y de impacto psicológico sobre el tema de la vida en el ejército en tiempos de guerra, el hecho de disponer de un solo testimonio le quita la universalidad que el mismo Mograbi cree haber alcanzado en su documental. Un solo testimonio, una sola mirada, un solo punto de vista, aunque perturbadores, no son suficientes para abarcar un tema tan complejo y conflictivo. Las intervenciones cantadas, más que explicar, agregan un efecto de impacto emotivo que por momentos se vuelve manipulador. Los efectos especiales son, efectivamente, muy innovadores, pero están al servicio de una idea que pudo haber alcanzado mayor desarrollo y profundidad de haber contado con todos los recursos necesarios para la realización de un documental con más fuerza testimonial.

News

La Alicia de Tim Burton ya se asoma al otro lado del espejo.

La actriz australiana Mia Wasikowska da vida a Alicia en la adaptación cinematográfica de 'Alicia en el país de las maravillas', de Lewis Carroll, dirigida por Tim Burton.- DISNEY
Tim Burton está ultimando su adaptación de Alicia en el país de las maravillas, la inquietante novela de Lewis Carroll sobre una niña que se adentra en un mundo poblado por seres extravagantes y dominado por una lógica dislocada. El director de Sweeney Todd, que ha rodado desde el pasado septiembre en Plymouth (Inglaterra), ha contado con la actriz australiana Mia Wasikowska, de 18 años, para interpretar a la inquieta Alicia, y con su actor fetiche, Johnny Depp, que prestará su vis más histriónica al Sombrerero Loco.
El reparto se completa con Helena Bonham-Carter (que ya actuó a las órdenes de Burton junto a Depp en Sweeney Todd) y que interpretará a la Reina Roja, y con Anne Hathaway (El diablo se viste de Prada), que será la Reina Blanca. En cuanto al grupo de seres fantásticos surgidos de la mente de Carroll, Michael Sheen (The Queen) dará vida al Conejo Blanco, Stephen Fry (V de Vendetta) será el Gato de Chesire, Alan Rickman (Sweeney Todd será La Oruga y Christopher Lee prestará su siniestro semblante a Jabberwok.
El equipo de la película eligió Plymouth porque es un escenario idóneo para una historia ambientada en la Inglaterra victoriana. De hecho, la mansión en la que se ha rodado la historia, Saltram House, ya pudo verse en la película Sentido y sensibilidad (1995), de Ang Lee. Otras localizaciones son The Royal William Yard, fábrica y astilleros de la Royal Navy. La versión de Burton es una producción de Disney en formato 3-D que se estrenará en los cines en 2010.

Jhonny Depp será el Sombrerero loco en la 'Alicia' de Burton
Tim Burton volverá a contar con su muso para su próxima película, que se espera para 2010. Johnny Deep ha confirmado que será parte del reparto de Alicia en el País de las Maravillas, en la que encarnará al Sombrerero Loco y compartirá pantalla con una joven australiana desconocida, Mia Wasikowska, que interpretará el papel protagonista de Alicia perdida en un mundo extraño que, seguro, Burton contribuye a convertir en más lúgubre y bizarro.
El creador de Eduardo manostijeras, Charlie y la fábrica de chocolate o Sweeney Todd ha apostado sobre seguro para su próxima película, Alicia en el País de Maravillas, que se espera para 2010 y cuyo rodaje podría comenzar este mismo noviembre. Según informaciones de Hollywood.com, su muso particular, y protagonista de las tres películas mencionadas, Johnny Deep, encarnará al Sombrerero Loco en una producción que se anuncia tan oscura como cualquiera de las cintas de las que se ha encargado Burton.
Una Alicia australiana casi desconocida
En cuanto la elegida por Burton y por Walt Disney, la productora que está detrás del proyecto, para el papel principal, el de Alicia, es la semidesconocida y joven actriz australiana Mia Wasikowska. Wasikowska, una actriz dieciochoañera prácticamente desconocida a la que hemos visto en la gran pantalla en El territorio de la bestia y que también ha participado en series como All Saints o En tratamiento. Burton descartó para el papel principal a Evan Rachel, a Ryan Nikole Parker y a su actriz fetiche y pareja en la vida real Helena Bonham-Carter. Incluso a Lindsay Lohan, que en una ocasión dio un paso al frente asegurando que ella es ideal para ese papel.
Sin embargo, el director ha considerado que la "ideal" es la desconcida Wasikowska, que se ha confesado "emocionada" por ponerse en la piel de la protagonista de una historia que siempre "la intrigó" de pequeña. El guión estará escrito por Linda Woolverton, una mujer de confianza de Disney responsable del guión de El Rey león y Mulan que pondrá freno a las ansias tenebrosas de Burton, y toda la película se rodará con todas las últimas tecnologías: la Alicia de Tim Burton combinará la técnica Performance Capture, que digitaliza a los actores, incluidas sus voces, y los convierte en imágenes generadas por ordenador, con interpretaciones reales con tecnología 3D.

"Mujeres al borde de un ataque de nervios" se convertirá en una serie de Fox. Al parecer, todo está listo para que las primera película de Pedro Almodóvar que aspiró a obtener un Oscar dé el salto a la pequeña pantalla estadounidense. Mujeres al borde de un ataque de nervios será adaptada a la televisión por Fox TV Studios, que la emitirá en forma de serie. Y Almodóvar no se queda al margen, ya que formará parte del proyecto como productor ejecutivo.
Así lo asegura The Hollywood Reporter, que agrega que el cineasta manchego trabajará codo a codo con Mimi Schmir, cuya producción más aclamada en televisión es nada menos que la serie Anatomía de Grey.
"Se tratará de un drama de zona residencial acerca de un grupo de mujeres que se conocen desde hace mucho tiempo, quizás desde la universidad, y que están en la mitad de sus vidas, intentando imaginarse cómo van a sobrevivir lo que les queda por delante", ha adelantado Schmir, que ejercerá como directora del primer capítulo de la serie.
"Sin duda, Pedro Almodóvar es uno de los grandes cineastas de nuestro tiempo y ésta es una película que explora unos personajes complejos, ricos, divertidos y las relaciones entre ellos. Ese es un genial punto de partida", ha dicho uno de los ejecutivos de Fox, David Madden. "Sabemos, además, que la marca Almodóvar será muy importante para proyectar la serie internacionalmente".
Mujeres al borde de un ataque de nervios, protagonizada por Carmen Maura, Antonio Banderas y María Barranco, y que fue nominada a los premios Oscar en 1988, narraba en tono humorístico la historia de una actriz que había sido abandonada por su amante. Y, a pesar de que la serie no será exactamente igual, Schmir revela que pretende mantener el toque de humor y conservar algunas escenas clave de la película.

Fuente: Diario El País.