La Buena Vida

«La buena vida», la última película de Andrés Wood fue recientemente elegida como Mejor Película Extranjera de Habla Hispana en la última edición de los Premios Goya.
Este film que en Argentina se estrenará por agosto, es una película funciona como un espejo, las tres historias; la de la madre con la hija embarazada, el músico frustrado en Carabineros y el cuarentón que vive con su madre; tienen ingredientes muy reconocibles por todos los espectadores con los que se pueden sentir identificados.
La tristeza, la frustración, los problemas de pareja, la separación, la juventud, el paso de la vida y la decepción se van mezclando poco a poco, y pareciera que se va plasmando en la pantalla grande, nuestras propias vidas.
Su director, afirma que es una película coral más bien al estilo de Robert Altman y sus "Vidas Cruzadas" que las de Alejandro Gonzalez Iñarritu o las escritas por Guillermo Arriaga.
La simpleza de la película es total, no hay una idea de cerrar las historias, ni de llegar a una conclusión final sobre esta extraña sociedad santiaguina. “
"La Buena Vida” se desarrolla en lugares que todos parecemos conocer de una manera u otra.
En los títulos de crédito de la película, en la que Wood firma el guión junto a Momoun Hassan, se lee la etiqueta de "inspirada en historias reales" y es que fue posible "gracias a los relatos de gente muy sencilla" que "abrió su corazón" para ayudar a construir los personajes de Teresa, Edmundo, Mario o Patricia.
Teresa (Aline Kuppenheim) es una psicóloga que da clases de sexualidad a prostitutas y cuya hija de 15 años se queda embarazada; Mario (Eduardo Pacheco) es un joven clarinetista que quiere entrar en la Orquesta Filarmónica, pero que termina en el Orfeón de Carabineros, Edmundo (Roberto Farías), un peluquero que se debate entre usar un crédito para comprarse un coche o pagar la tumba de su padre; y Patricia, una prostituta enferma que no quiere aceptar ayuda.

Entre muros... del sistema educativo...

"Entre los muros" película ganadora de la Palma de Oro en Cannes, cuenta la historia de un grupo de alumnos y François, su profesor de francés, quien se ve en problemas cuando se produce una situación compleja con unas alumnas y a raíz de esto, un compañero de ellas actúa de manera agresiva por lo cual queda totalmente expuesto.

A través de este microcosmos, Cantet intentó reflejar de la manera más justa posible a la sociedad actual involucrados en el sistema educativo, que si bien pertenece a Francia podría ocurrir aquí en la Argentina también.

Toda la película ocurre en el interior de esta escuela. “Intenté dar una impresión carcelaria, porque creo que es lo que sienten la mayoría de estos chicos al entrar cada día a la institución”, dijo cantet en la conferencia. “Más allá de los alumnos y de los profesores, nadie más sabe que sucede exactamente en la escuela” agregó. Esto se ve reflejado en el personaje de la madre de este chico que entra en problemas, que desconocía totalmente la situación de su hijo.
Hablando de los adolescentes en nivel escolar, expresó que “están estigmatizados, se los considera idiotas, incapaces de concentrarse… es muy fácil decirlo, pero al escucharlos bien nos damos cuenta de que están más incertos en la sociedad que lo que pensamos”.

El niño pez

El Niño Pez es la nueva película de la joven directora Lucía Puenzo, a quien ya viéramos en la multipremiada y sobrevalorada "XXY".

Esta vez, se narra una historia de amor y suspenso basado en un libro que Lucía, escribió en su adolescencia.

Es una historia de atmosfera densa y rítmica cuya trama nos muestra como Lala , una adolescente que vive en el barrio más exclusivo de Buenos Aires, está enamorada de la Guayi, la mucama paraguaya de 20 años que trabaja en su casa. Ambas sueñan con irse a vivir juntas a Paraguay, a orillas del lago Ypoá, pero sus planes no saldrán como los tenían planeados.

La película pasa por varios géneros cinematográficos, entre los que se pueden nombrar el policial, suspenso, historia de amor, fantasía, thriller... Es un producto visualmente impecable, pero con un guión no tan bueno, que contiene muchas subtemáticas tratadas de manera superficial, que quedan en el aire. Esto ultimo le juega en contra porque generan dispersión y poca cohesión a la historia.

Musica en espera.

"Música en espera" opera prima de Hernán Goldfrid, me pareció entretenida y con buen ritmo, aunque por momentos tuve la sensación de que caían reiteradas veces en lugares comunes. Digamos que es una película "simpáticona".

La historia interpretada por Diego Peretti y Natalia Oreiro (muy bella la mujer), gira en torno a, como lo dice su título, una música de espera telefonica. Aquí esta muy bien reflejado, el hecho de las veces que uno tiene que sufrir que lo pasen de sección en sección cuando se llama por teléfono a una multinacional.

Por momentos la película logro sacarme algunas carcajadas y me fui del cine sonriente. Pero tampoco me pareció un film para encasillarlo en el halo de "vuelve el cine de género a la Argentina". Me parece que ya nos estamos pasando de mambo. Claro está, que al lado de una película como "Esperando la carroza 2", esta cinta es pareciera ser una joya de la cinematografía local.

La teta asustada.

"La teta asustada" es la reciente ganadora del Oso de oro en el Festival de Berlín. Está película que se acaba de estrenar en las nuevas salas cinematográficas en Constitución (de Burman y cia.) Este film dará pie a un gran debate, como ya lo viene generando en los países donde se presentó.
La historia es sobre mujeres que sufrieron violencia sexual durante el conflicto armado que asoló el Perú en la década de los ochenta.
La película toma su nombre de una creencia andina, según la cual las mujeres violentadas sexualmente durante el conflicto armado transmitieron sus miedos a sus hijos, al amamantarlos.
Esta creencia está muy arraigada en las comunidades andinas, pero tiene basamento científico exhaustivamente investigado por varios expertos, bajo diferentes escenarios de violencia política.
Luego de revisar estudios con diversas poblaciones del mundo víctimas de violencia sexual durante conflictos armados, un equipo de investigadores encabezado por la psiquiatra argentina Diana Kordon, concluyó que "la situación traumática incide tanto en las personas que la sufren directamente, como sobre el cuerpo social en su conjunto".
Los hechos pueden incluso impactar sobre varias generaciones, agrega el informe científico "Impacto psíquico y transmisión inter y transgeneracional en situaciones traumáticas de origen social".
La cineasta peruana Claudia Llosa, directora de la película, reveló que se trata de una cinta de ficción, pero se basa en los testimonios de mujeres con las que conversó y padecieron violencia durante los 20 años que duró el conflicto armado.
Aunque señaló que lo suyo es más emocional que político, admitió que se ha hablado muy poco de lo que se vivió en los Andes "y es necesario hacerlo".
"Creo que es sano luchar por la memoria, a la vez que caminar mirando al futuro. La película plantea esa dualidad", enfatizó Llosa en rueda de prensa, al llegar a Lima.
Según la cineasta, los pobladores "no solo no fueron compensados o consolados, sino que, al contrario, sufrieron marginación, porque para la sociedad eran un recordatorio de la barbarie. En ese sentido, La teta asustada también habla de la dificultad para enterrar el pasado",
"A todas esas mujeres el estado peruano -todos nosotros- les debemos justicia y reparación. Y esta película hace visible su drama y su exigencia, ese es su mérito",
Muchos defensores de los derechos humanos esperan, como él, que este largometraje pueda lograr lo que los organismos de derechos humanos no han podido: que el congreso peruano apruebe el proyecto de ley en su poder hace meses, el cual generaría las condiciones necesarias para que la totalidad de mujeres que sufrieron violencia sexual durante el conflicto armado sean registradas como víctimas y puedan, así, recibir reparación integral, especialmente en salud mental.

Aqui les dejo el trailer:

La ventana indiscreta- Hitchcock.

"Nos hemos convertido en una raza de mirones. Lo que deberían hacer es salir de sus casas y mirarse hacia dentro para variar." ALFRED HITCHCOCK, 1954.


Acabo de leer que el amigo Spielberg fue acusado recientemente de plagio por una pelicula llamada "Disturbia"...
"¿Pero que película habrá plagiado?" se estarán preguntando, Uds. amigos del celuloide... "¿Exterminator, la de Francella?" NO. "¿Tango Feroz?, con Colin Farell haciendo de Fernan Miras?" TAMPOCO. "Entonces, seguro que plagió alguna de Darín..." (Esto nos permite abrir un abanico de posibilidades bastante amplio, dado que Darín actua de Darin en las aproximadamentes, últimas 20 películas argentinas). PERO NO...
Lo que el amigo Steve plagió es, ni más ni menos que... "La ventana indiscreta" del gran Alfred Hitchcock. ¡¡¡COME ON STEVE!!!

"Rear Window" fue una de mejores películas, que Hitchcock resolvió de manera extraordinaria. En ella confluyen tanto su destreza de narrador como su siempre punzante mirada hacia el individuo dentro del (yeso) de la sociedad y sus ritos extraños y secretos desarrollados en la soledad.
Para el fotógrafo "quebardo" Jeffries (James Stewart) su aislamiento del mundo por incapacidad física es un vehículo para manifestar un voyerismo claro, del que será partícipe, de manera inevitable, también el espectador. El entretenimiento inocente de este hombre cuyo trabajo se basa en el sentido de la oportunidad, es el móvil perfecto para la obsesión del Hitchcock. Las ventanas son pantallas, que no son sólo los complementos de la acción que se desarrolla en ellas, sino las visiones cargadas de ironía del comportamiento social americano.

Lo que sucede con "La ventana indiscreta" es más un problema de forma que de contenido, una nueva concepción de la puesta en escena basada en el dominio de la complejidad.
Decía Bazin, crítico realista francés, que en la película se aprecian claramente tres historias en una: el tema sexual, el de índole social y la mera intriga policíaca.
En la evolución del film hemos ido aprendiendo a convivir con ese fotógrafo aislado, voyeur obligado, así como hemos asimilado su obsesión, su inquietud o su inconformismo. El doble juego de Hitchcock, es decir observación-identificación, es una treta que envuelve al espectador incapaz de salir de la habitación pero a la vez introduciéndose en muchos lugares. El ejercicio escénico del director cobra una eficacia brutal y se encamina hacia la revolución del tratamiento del medio.


A ese mundo nos acercamos en esta metáfora que nos incluye también como los privilegiados espectadores de esta ventana indiscreta en que se convierte la pantalla. El voyeurismo es la esencia del arte cinematográfico y el malicioso Hitchcock se obsesionó con esa idea como lo hizo con otras costumbres (declaradas o no) de la convivencia en medio de esa no tan discreta burguesía que, con alma de siniestro satirista, revisa de pies a cabeza.

Agente Internacional

A principios de la década de lo 90, de la mano de Los Expedientes Secretos X, se popularizó en Hollywood un estilo de trama que hasta ese momento no estaba muy desarrollado: el de la conspiración masiva a cargo de un gobierno corrupto y un anti heroe cuya misión era destruirlo y exponerlo al mundo. Una especie de David Vs. Goliat. De a poco llegaron títulos más comprometidos, que presentaban una imagen del gobierno americano (especialmente la CIA) opuesta a la se que había popularizado en los años 80, con organizaciones ocultas que manejaban los hilos sin que nadie lo supiera y controlaban secretamente el destino del mundo.
Pero el mundo cambió, y el cinismo esta a la orden del día, por lo que aceptamos la trama de Agente Internacional como algo natural y que "seguramente es cierto". Protagonizada por Clive Owen y Naomi Watts, el filme gira en torno a un agente de Interpol que, junto a una fiscal de distrito norteamericana, intenta exponer los negocios sucios que realiza un banco europeo, a través de la compra y venta de armas a países tercermundistas y potencias mundiales, especulación de precios, generación de conflictos y golpes de estado y asesinatos a líderes políticos.
Si bien el film tiene deversos elementos que recuerdan a la saga de James Bond (como locaciones exóticas y empresarios inescrupulosos que quieren dominar el mundo), el tono que se mantiene es el de un thriller serio que no da respiro. Una especie de Jason Bourne sin las peleas hollywoodenses y las explosiones.
Las actuaciones de Owen y Watts se lucen bastante, aunque Armin Mueller-Stahl brilla con su rol de empresario más allá del bien y del mal. La dirección del alemán Tom Tykwer (El Perfume) genera un clima que rara vez afloja y logra su cometido de mantener al espectador al borde del asiento.

Consejo: Prestar especial atención a la escena que se desarrolla en el interior del Museo Guggenheim de Nueva York, provista de todos los ingredientes necesarios para convertirse en un momento clásico del cine de espionaje.

Todos a verla.

Chocolate

Para ver en el Bafici:

Esta pelìcula tailandesa promete y mucho...

La película se basa en una chica autista que aprende a luchar empapándose de lo que ve en televisión y también de la escuela de boxeo Muay Thai que está al lado de su casa. Cuando descubre una lista de deudores en el diario de su madre enferma, decide ir a buscarles uno por uno. Su reto la lleva a enfrentarse a gangsters y también a su padre, un miembro de la mafia japonesa.

Chocolate (2008):
27 de marzo a las 23:00 en la sala 10 del Hoyts Abasto
28 de marzo a las 23:30 en la sala 10 del Hoyts Abasto
31 de marzo a las 23:15 en la sala 8 del Hoyts Abasto
1º de abril en el Atlas Santa Fe a las 22:30

Aquì les dejo el trailer.

The man who wasn´t there.

Los otros días, vi nuevamente “The man who wasn´t there” de los hermanos Coen. Hacía mucho la había visto en el cine y al volver a verla (la tenía completamente olvidada en mi memoria) sentí que estaba frente a una gran película como hacía tiempo no veía.
Para empezar diría (y tratando de no pecar de pretencioso) que el film me hizo acordar mucho a la obra de Albert Camus, “El extranjero” con una gran dosis de cine noir (o policial negro como prefieran llamarlo).
Ed Crane (Billy Bob Thornton) es un barbero de una pequeña ciudad norteamericana, un sujeto aparentemente normal que lleva una vida tranquila y aburrida con su esposa. Pero Crane está lejos de ser normal. Al descubrir que su mujer mantiene relaciones con su jefe, elabora fríamente un plan para chantajear al empresario.

El guión de la película es redondo: a medida que la trama va siendo más compleja, a medida que los acontecimientos comienzan a generar otros nuevos, es cuando se percibe la maestría de los Coen: ningún diálogo desencaja y ninguna acción queda por explicar. Se trata de un guión clásico, de ritmo lento como la propia vida de Crane, con ligeros toques irónicos y esperpénticos a los que nos tienen acostumbrados los Coen.

Los Coen muestran una patente obsesión por los detalles de escenografía, figuración y reconstrucción de época. En “El hombre que nunca estuvo allí” podemos observar este detallismo a lo largo de toda la película. Ni que hablar de la bella fotografía en blanco y negro, que acentúa el policial de los años 50.
Otro punto común está en los personajes, excéntricos y siempre insertos en situaciones inusitadas que normalmente se resuelven de un modo imprevisible.
El origen de esta película tiene lugar, durante de otro buen film de ellos, como es el caso de “El gran salto”. Los hermanos Coen estaban sentados contemplando la fotografía de una peluquería (barbería) cuando empezaron a imaginar cómo sería la vida de un barbero.

Ed Crane, el protagonista, es un hombre de pocas palabras, fumador empedernido, esposo complaciente. Su vida no tiene demasiados sobresaltos hasta que un día entra a la “barbería” un chanta y estafador prometiéndole un gran negocio. A partir de allí, toma la decisión de actuar dejando de lado su pasividad. Crane, el hombre que nunca estuvo allí, decide tomar partido en su vida y es en ese instante cuando se pone en marcha la maquinaria del azar. Pero en un film de los hermanos Coen jamás se pueden controlar los hechos, el destino aún tiene que intervenir con una de sus ironías.
Muchos de sus detractores les han criticado precisamente su adicción a deconstruir el sueño americano a través de un método de trabajo que simplemente lo ridiculiza, que carece por completo de humanidad.
Esta película (ganadora de la Palma de Oro en Cannes en 2001) es una obra maestra altamente recomendada tanto para los seguidores como los detractores de los hermanos Coen.

Hansel & Gretel

Para ver en el Bafici:

Ficha artística/técnica:COREA DEL SUD. 2007

Director: Yim Phil-sungProductors: Choi Jae-won, Seo Woo-sik

Productor executiu: Miky LeeProductor associat: Kang Young-mo

¿Quién puede temer a un niño? Cualquier espectador de Hansel & Gretel, sin duda, y sobre todo su protagonista, Eun-soo, un hombre joven que se pierde en el bosque y lo único que encuentra es una casita de ensueño donde habitan tres niños. Entre muñecos y pastelitos, Eun-soo encontrará unos libros de dibujos que cuentan el terrible destino que sufren todos los adultos que han ido a parar a este triángulo de las Bermudas silvestre. Basada libremente en el cuento de los hermanos Grimm, la segunda película del prometedor Yim Phil-sung es una pesadilla con tintes de cuento para niños. Hansel y Gretel = horror y fantasía.

Tulpan.

Para ver en el Bafici:

Alemania, Kazajstán, 2008
Realizado por Sergey Dvortsevoy

Con Askhat Kuchinchirekov, Samal Eslyamova, Ondasyn Besikbasov

Género: Comedia

Duración: 1h 40min.

Tras finalizar su servicio militar en la armada, el joven Asa se dispone a regresar a su lugar de nacimiento en la agreste estepa de Kazajistán. Allí viven su hermana mayor, y el marido de esta, dedicados a la única ocupación posible en aquel lugar; los rebaños de ovejas. De ellos aprende que si quiere dedicarse al ganado, y tener su propia ganadería, va a tener que encontrar una mujer.

Tony Manero

Para ver en el BAFICI:

Chile / Brasil, 2008

Dirección: Pablo Larraín

Guión: Pablo Larraín, Alfredo Castro y Mateo Iribarren

Intérpretes: Alfredo Castro, Amparo Noguera, Héctor Morales, Elsa Poblete.

Duración: 1 h 38

Tony Manero es la historia de un hombre común de 52 años de edad que, en plena dictadura del General Pinochet, permanece indiferente al horror que lo rodea encerrándose en su propia obsesión de convertirse en el sosías de Tony Manero más popular de Chile.Raúl Peralta vive fascinado por el personaje encarnado por John Travolta en Fiebre del Sábado por la Noche. Observa la cinta una y otra vez, repite cada gesto, cada paso, cada palabra del diálogo. Todos los sábados a la noche, libera su pasión por la música disco en compañía de otros bailarines amateurs con quienes ha creado un espectáculo en un club nocturno de los suburbios."Inspirándose en el filme Fiebre del sábado por la noche, este hombre intenta introducir el sueño de la clase trabajadora americana. Tony Manero (John Travolta) es bello, joven, excitante. Tiene éxito: multiplica las conquistas femeninas y es ganador del concurso de danza", explica Pablo Larraín estableciendo un paralelo entre el filme americano que introdujera en los '70 la fiebre por la música disco, y el personaje principal de su propio filme.A diferencia de su joven ídolo, Raúl Peralta ha vivido muchos más años, no es americano y, si bien tiene cierto éxito con las mujeres, no puede disfrutar de este éxito a causa de su incipiente impotencia sexual. Desde el comienzo él y nosotros, como espectadores, sabemos que no tiene ninguna posibilidad de ganar el concurso como mejor imitador de Tony Manero, ya no tiene la edad, eso está claro. Sin embargo su psicopatía sin límites lo impulsa a matar, robar y traicionar a sus amigos para alcanzar un objetivo ya frustrado desde el inicio.

El fin de semana fui a ver "Paris". Si bien, no me esperaba una gran película pensé que quizás iba a salir de la sala con una sonrisa, como me pasó con las películas anteriores de este director (Piso Compartido y Muñecas rusas).

Pero salí totalmente defraudado. Me pareció una película muy floja, llena de lugares comunes y golpes bajos, que dejaba traslucir que todos esos personajes estaban puesto con la excusa de filmar bonitas escenas de la ciudad luz. (Que por cierto, hacen que te enamores de esta ciudad).
Si ese era el propósito de la película, lo logró. Pero por lo demás, es un film en donde a los protagonistas no les pasa nada, añoran recuerdos de una vida pasada mejor y cada paso que dan es totalmente previsible.

Lo único bueno de “Paris” es la siempre bella Juliette Binoche, que hace de una tipa agradable y nada más, desperdiciando talento.
Me cansó el estereotipo del personaje que está por morir y les recomienda a todos sus allegados que vivan una vida mejor, llena de felicidad. “Tu vida no se ha acabado, tal vez ni siquiera empezó” Demasiado cliché.
Hace poco leí la crítica de Diego Battle a la que me adhiero totalmente: “Es el regreso del Campanella francés”.

Cenizas y Nieve (Ashes & Snow)

Esta es una peliculas del mismo estilo que Baraka y su triología con sus nombres raros.Pero con una calidad de imagen mucho mejor.
Su director se llama Gregory Colbert y por lo que pude averiguar "Ashes and Snow" es un proyecto en curso que entrelaza trabajos fotográficos, películas de 35mm, instalaciones artísticas y una novela presentada en cartas. Con una profunda paciencia y un férreo compromiso con la naturaleza expresiva y artística de los animales, ha capturado de forma extraordinaria, improvisadas interacciones entre los seres humanos y los animales.

“Mientras exploro las sensibilidades poéticas y el idioma compartidos por todos los animales, con mi trabajo busco redescubrir esa tierra común que una vez existió cuando las personas vivían en armonía con los animales. Las imágenes muestran un mundo que no tiene ni principio ni fin, ni aquí ni allí, ni pasado ni presente.”
—Gregory Colbert.





Su bestiario del siglo XXI incluye más de 40 especies totémicas de todo el mundo. Desde que comenzó la creación de su singular trabajo de Ashes and Snow, Colbert ha organizado más de 30 expediciones a lugares como India, Egipto, Burma, Tonga, Sri Lanka, Namibia, Kenia, la Antártida, las Azores y Borneo.

Como es una película dificil de conseguir, les dejo los links, subtitulos y sino la banda de sonido que es realmente magistral.

Video Documental (DVD Rip - 700 Mb) http://rapidshare.com/files/94170172/Video_Ashes_and_Snow.part1.rar http://rapidshare.com/files/94285222/Video_Ashes_and_Snow.part2.rar http://rapidshare.com/files/94389700/Video_Ashes_and_Snow.part3.rar http://rapidshare.com/files/94449532/Video_Ashes_and_Snow.part4.rar http://rapidshare.com/files/94578126/Video_Ashes_and_Snow.part5.rar http://rapidshare.com/files/94612329/Video_Ashes_and_Snow.part6.rar http://rapidshare.com/files/94644320/Video_Ashes_and_Snow.part7.rar

Subtitulos http://rapidshare.com/files/105139184/Subtitulos_Ashes_and_Snow.rar

Soundtrack http://rapidshare.com/files/105136077/Ashes_and_Snow_Cd_Soundtrack.rar





Trailer:

Gran Torino

Por Ignacio Luccisano.

Llegamos tarde al cine porque estábamos tomando una cerveza a pocos metros del lugar. Al descubrir los escasos minutos que nos separaban del inicio del “film”, subimos corriendo las angelicales escaleras mecánicas para llegar a la sala 4, ubicada en el primer piso del paraíso de los cines.

Pero antes, al mejor estilo Homero Simpson, paramos a comprar pochoclo y Koka Loka. Luego, un joven de bordó con gorrito de tenis y linterna, nos llevó hasta las butacas señaladas.

Dicen que fue su última película como actor y así lo deja saber a lo largo de todo el film, cargado de gags que lo hicieron famoso en aquellos añorados spaghettis westerns de Sergio Leone.
Pero sobre todo, vemos nuevamente a “Harry, el Sucio”, especialista en enfrentar al más cojonudo del planeta. Sin lugar a dudas, estamos ante uno de los personajes más memorables de su filmografía.
Así es como Don Clint, a sus 78 años, se despide brindandonos unas de las mejores actuaciones de todos los tiempos.

No voy a contar de que se trata “GRAN TORINO”, simplemente me limitaré a decirles, que es una excelente película que toca muy sutilmente, temas tan complejos como: la xenofobia, el racismo, los valores y el vacío del “sueño americano”, mezclado con un humor tan sútil que despertaría la envidia de Alfredo De Angelis (Cuak!)

Rompiendo mi promesa, les diré que Eastwood disfrazado de Walt Kowalski, se hace amigo de un joven coreano vecino suyo. En realidad el viejo Clint tiene la inteligencia de trazar una de las mayores parábolas sobre la juventud y la madurez que jamás se hayan realizado en la historia del cine. Con su habitual minimalismo visual, y su demoledor ritmo narrativo, la dirección es una auténtica lección de hacer cine, plano a plano, secuencia a secuencia, sin perder en ningún momento el ritmo es... sencillamente perfecto.

¿Por qué este veterano director se sigue destacando entre tantos cineastas modernos?

Como dijo Robert Mckee, en su libro “El Guión”: “ (...) Lo que ha cambiado es que los autores contemporáneos no saben narrar una historia con la fuerza de las generaciones pasadas. Al igual que pretenciosos decorados de interiores, hacen películas para la vista y nada más…”

Pocas veces se ha hecho algo con tan poco y como siempre… Eastwood me ha alegrado el día.

Vicky Cristina Barcelona

Cada vez que voy a ver una película de Woody Allen, temo por lo que me voy a encontrar. Aunque debo confesar, que no soy destructor de sus peliculas. Más bien, las miro con un cierto cariño.
Ya conocemos de antemano las características fundamentales de su obra, sólo aquellos que en verdad las acepten podrán disfrutar de lo que Allen ofrece: Sus películas son similares en términos formales, siempre analizan los mismos tópicos y eventualmente podemos concluir que representan ejercicios de estilo por parte de un buen realizador.
Creo que el gran Woody, tiene en claro que pretende hacer y sabe cómo transmitirlo al espectador respetando sus clásicas marcas registradas.

Creo que Vicky Cristina Barcelona (2008) es un quiebre a la “trilogía británica”, compuesta por Match Point (2005), Scoop (2006) y El Sueño de Cassandra (Cassandra's Dream, 2007). Mientras que antes contábamos con historias centradas en antagonismos sociales o directamente en las miserias de las clases altas, ahora disfrutamos de un relato sofisticado de índole existencial sobre entrecruzamientos románticos, ideologías incompatibles y círculos viciosos psicológicos que parecen estar condenados a repetirse hasta el infinito.

En fin, creo que "Vicky, Cristina Barcelona" transmite "frescura" en su relato e imagenes.